Pink Flamingos: El cine más transgresor de John Waters

 Si eres un fanático del cine que ha explorado las fronteras del buen gusto, seguramente ya has oído hablar de Pink Flamingos (1972), la obra maestra de John Waters que aún, más de 50 años después, sigue siendo un hito en la cultura cinematográfica. ¿Por qué? Porque Waters no solo hizo una película, sino que demolió todos los límites establecidos en el cine y creó un manifiesto de lo que significa ser irreverente, transgresor y, sobre todo, libre.

El caos absoluto y la celebración de la perversión

Pink Flamingos es, sin lugar a dudas, un viaje a lo más oscuro y bizarro de la sociedad humana. La película sigue a Divine, un personaje que se convierte en una de las figuras más icónicas de la cultura queer, interpretado por el mismo Waters. Divine no es solo un personaje, es una declaración de independencia absoluta. Con un título que sugiere una crítica mordaz a la superficialidad de la vida suburbana, Pink Flamingos no escatima en mostrar lo grotesco, lo escandaloso y lo absolutamente transgresor.

¿De qué trata? Pues de una competencia para ser la "persona más perversa del mundo". Divine, acompañada de su familia disfuncional y extraña, se enfrenta a otros personajes excéntricos, como los conserjes criminales y la malvada y enloquecida Constance, mientras atraviesan un mar de situaciones bizarras que dejan al espectador pensando: “¿esto es cine?”.

La estética que desafía

Este no es el tipo de película que encontrarás en el cine convencional. La película tiene esa estética de "low-budget" que la convierte en un objeto de culto. Todo, desde los colores saturados hasta la actitud de los actores, está hecho para que el público se sienta incómodo y fascinado a la vez. En Pink Flamingos no hay espacio para la sutileza. La puesta en escena es tan exagerada que parece que Waters trató de crear una película que se burla de todo lo que el cine tradicionalmente espera.

¿Por qué sigue siendo relevante hoy?

Más de medio siglo después de su estreno, Pink Flamingos sigue siendo una especie de rito de iniciación para los que buscan explorar el cine alternativo, experimental y transgresor. En un mundo donde las redes sociales nos bombardean con una imagen cuidadosamente construida de la perfección, la película sigue siendo una bocanada de aire fresco. Waters no tiene miedo de mostrarnos lo feo, lo sucio y lo ridículo, desafiando nuestra moral y nuestra percepción de lo que debería ser el arte.

Además, la película es un grito de libertad para la comunidad LGBTQ+ y una crítica feroz a los valores burgueses. Es más que una película, es un manifiesto de aceptación de lo diverso y lo "anormal". Y sí, puede ser difícil de ver, pero si te atreves, Pink Flamingos es una experiencia cinematográfica que cambiará tu forma de ver el cine para siempre.

Conclusión

Si te consideras un verdadero fanático del cine, y no te has atrevido a ver Pink Flamingos, te estás perdiendo una pieza clave de la historia del cine underground. Con su irreverencia, su falta de filtros y su descaro, John Waters creó una película que sigue siendo discutida, amada y, sobre todo, odiada por muchos. Pero, ¿acaso eso no es lo que hace grande al cine? Atrévete a explorar el lado más salvaje y oscuro de la historia del cine con Pink Flamingos. Y si ya la has visto, sabes de lo que hablo.

Almodóvar, Punk y Rebeldía: El Nacimiento del Cine Transgresor en En Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón

 Pedro Almodóvar, el genio que ha marcado la historia del cine contemporáneo, no solo es reconocido por su estilo visual único o su forma de contar historias cargadas de emoción, sino también por cómo sus primeras películas se sumergieron en la contracultura de los años 80. Y, como no podía ser de otra manera, su ópera prima, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980), es la muestra perfecta de este espíritu irreverente, punk y transgresor que caracterizó tanto al cine de Almodóvar como a la Movida Madrileña.

Cuando Almodóvar lanzó su primer largometraje comercial, no solo estaba retratando un Madrid que vivía al margen de las convenciones sociales, sino que estaba dando voz a una juventud rebelde, ansiosa por romper con los viejos paradigmas impuestos por una España franquista que empezaba a dejar atrás su oscuro pasado. En Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón encontramos una estética cruda, en la que las formas narrativas no son pulidas ni perfectas, pero sí intensas y cargadas de una energía espontánea que inmediatamente conecta con la audiencia más joven.

La película se adentra en un Madrid lleno de contrastes: la vida nocturna vibrante, los personajes marginales, los ambientes de la contracultura… todo con una actitud completamente descarada. Los personajes, representados por mujeres fuertes, transgresoras y completamente fuera de lo común, desafían las normas del género, la sexualidad y la moralidad. Con un toque de humor negro, Almodóvar nos presenta una mirada desvergonzada sobre la libertad, el deseo y la amistad, todos temas recurrentes en su filmografía, pero que aquí se presentan sin filtro y con una energía que hace que todo se sienta tan fresco como un grito de libertad.

En este contexto, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón no solo es una película, sino una declaración de principios. Es el grito de una generación que no tenía miedo a romper con lo establecido, que abrazaba el caos y la diferencia con total naturalidad. Almodóvar sabía que el cine debía ser algo más que entretenimiento; debía ser una herramienta para reflejar la transformación de la sociedad, para cuestionar sus normas y para empoderar a los que siempre fueron los invisibles.

Almodóvar supo captar el pulso de la movida madrileña: un periodo de revolución cultural, política y social en España, con el punk como bandera y el deseo de libertad como bandera. Con Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, Pedro no solo marcó el inicio de su carrera, sino también un antes y un después en el cine español, sentando las bases de lo que sería su sello personal: el juego entre la transgresión, la comedia, el melodrama y la capacidad de crear personajes que trascienden la pantalla.

Este primer largometraje se siente tan libre y auténtico como los primeros acordes de una canción de punk, como si Almodóvar nos estuviera invitando a sumergirnos sin reservas en el caos del Madrid postfranquista. Es un cine que sigue siendo tan relevante como en su momento de estreno, porque, a pesar de las décadas transcurridas, esa rebelión y esa irreverencia siguen siendo la esencia del cine que crea Pedro Almodóvar.

Así que si aún no has visto Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, es momento de adentrarse en este viaje de color, caos y libertad. Prepárate para un cine que no pide permiso, sino que te arrebata la atención, te agita el alma y te deja pensando en el impacto que puede tener el arte cuando se arriesga, se reinventa y se lanza de lleno al vacío de lo auténtico.

3 Películas Prohibidas en el Mundo: La Oscura Fascinación del Cine Prohibido

 El cine siempre ha sido un espacio para explorar los límites de la sociedad, pero algunas películas llevan esa exploración al extremo, cruzando líneas que el poder decide que no deben ser cruzadas. Estas son tres películas que han sido prohibidas en distintos países, pero que, sin duda, alimentan la fascinación de los verdaderos fanáticos del cine underground.

1. A Clockwork Orange (1971)
   Dirigida por Stanley Kubrick, esta obra maestra se convirtió en un referente del cine de culto. Su mezcla de violencia extrema, manipulación mental y una crítica feroz a la sociedad lo llevaron a ser prohibido en varios países. En el Reino Unido, fue retirada de la circulación tras una serie de incidentes violentos relacionados con la película, y Kubrick, harto de la controversia, pidió que no se volviera a proyectar.

1. Cannibal Holocaust (1980)
   Considerada una de las películas más controvertidas de todos los tiempos, dirigida por Ruggero Deodato, Cannibal Holocaust desató una tormenta de críticas debido a sus escenas explícitas de violencia, canibalismo y la inclusión de animales reales en situaciones de muerte. Su realismo brutal llevó a que fuera prohibida en varios países, y su director fue incluso arrestado bajo acusaciones de homicidio, ya que se pensó que algunas de las muertes mostradas en la película eran reales. A pesar de la controversia, se ha convertido en un clásico del cine de terror extremo.

1. Salò o le 120 giornate di Sodoma (1975)
   Una de las películas más perturbadoras jamás realizadas, dirigida por Pier Paolo Pasolini. Basada en la obra de Marquis de Sade, esta película retrata un grupo de jóvenes sometidos a actos de violencia y perversión extrema. La película fue retirada en muchos países debido a su contenido explícito, y hoy es vista como un oscuro comentario sobre la corrupción y el totalitarismo. Salò sigue siendo una de las obras más inquietantes de la historia del cine.

El cine de culto no es solo entretenimiento, sino una forma de cuestionar lo que se considera aceptable. Estas películas prohibidas no solo están marcadas por su violencia o su contenido controvertido, sino por su capacidad para seguir provocando conversaciones y reflexiones entre los amantes del cine que buscan ir más allá de la pantalla.

BADA 2025: La Feria de Arte que Desafía Convenciones y Abre Nuevas Posibilidades

 La Ciudad de México fue, una vez más, el epicentro de una de las ferias de arte más relevantes de Latinoamérica. Del 6 al 9 de febrero de 2025, el Jardín del Restaurante, en Campo Marte, se transformó en el punto de encuentro de artistas, coleccionistas y curiosos del arte contemporáneo. En su quinta edición, la Feria de Arte BADA (Bienal de Arte y Diseño Actual) ofreció una experiencia única que fue más allá de la exhibición de obras; fue un espacio que cuestionó, reflexionó y estimuló la creatividad de todos los asistentes.

Un Enfoque Vanguardista

BADA 2025 se distinguió por su apuesta a los artistas contemporáneos y emergentes, aquellos que no se limitan a los cánones tradicionales del arte, sino que buscan romper moldes, provocar reflexión y generar nuevas experiencias. Entre las propuestas, se encontraron desde instalaciones interactivas hasta trabajos que exploraban la relación entre el arte y la tecnología.

En esta edición, también se destacó el esfuerzo por promover la participación de artistas con discapacidad. Un gesto poderoso que subraya la importancia de la inclusión en el mundo artístico, permitiendo que voces diversas sean escuchadas y vistas, sin importar las barreras físicas o sociales. Este compromiso con la diversidad no solo enriqueció la muestra, sino que dio visibilidad a quienes muchas veces han sido relegados a los márgenes del arte tradicional.

Artistas Nacionales e Internacionales

BADA 2025 no se limitó a lo local; la feria invitó a artistas tanto nacionales como internacionales, creando un intercambio cultural entre diferentes partes del mundo. La convivencia de artistas de distintas latitudes enriqueció la experiencia y permitió que los asistentes pudieran admirar una gama de obras que iban desde lo conceptual hasta lo más abstracto, cruzando fronteras tanto en el ámbito físico como en el emocional.

Más que Arte: Gastronomía y Diseño

Un aspecto que no pasó desapercibido fue la integración de una zona gastronómica dentro de la feria. En esta área, los asistentes pudieron disfrutar de una oferta culinaria que complementaba la experiencia sensorial del arte, convirtiendo el evento en una celebración integral de la creatividad. Además, los espacios para artistas egresados de universidades permitieron dar visibilidad a las nuevas generaciones de creadores, quienes se están abriendo paso con propuestas frescas y estimulantes.

Para los interesados en el diseño, la feria contó con una tienda donde se ofrecieron piezas de diseño exclusivo, un pequeño oasis para quienes buscan algo único y diferente. Esta tienda se convirtió en el lugar perfecto para los amantes del diseño contemporáneo que buscaban llevarse un pedazo de la creatividad de BADA a casa.

El Proyecto No Bunny de Diego de Erice

Uno de los proyectos más provocadores de BADA 2025 fue No Bunny Project de Diego de Erice. Esta pieza nació como una escultura que se niega a permanecer estática, y al igual que la propia feria, desafía las normas preestablecidas. El concepto detrás de la obra resuena con una reflexión profunda sobre el proceso de tomar decisiones en la vida. Como sugiere el propio artista, "Decidir qué quieres hacer con tu vida y quién quieres llegar a ser es complejo, pero no tomar ninguna decisión tiene un costo alto."

Este mensaje tocó un tema central para muchos de los visitantes: la dificultad de romper con los hábitos que nos limitan y el coraje necesario para aventurarse hacia nuevas posibilidades. En la sociedad actual, todos estamos sometidos a expectativas familiares, sociales y personales que nos dicen lo que deberíamos ser. Sin embargo, "abandonar hábitos que yacen dormidos y atreverse a saltar hacia cosas nuevas", como menciona el proyecto, es uno de los pasos más difíciles, pero también más liberadores. "Desafiar las normas sociales, las expectativas familiares y los planes dentro de tu propia mente", es un acto de valentía, uno que no todos se atreven a realizar. Pero, como nos invita a reflexionar Diego de Erice, es vital llegar al momento en que puedas decir: "Ni en sueños", y decidir tomar el camino que sientas más auténtico para ti.

BADA 2025 fue mucho más que una simple feria de arte: fue una experiencia transformadora. A través de la presencia de artistas emergentes, la inclusión de proyectos innovadores como No Bunny Project, y la integración de diversas disciplinas como la gastronomía y el diseño, la feria ofreció una plataforma para repensar el arte en todas sus formas. Esta edición reafirmó su compromiso con la diversidad, la inclusión y la ruptura de convenciones, invitando a los asistentes a cuestionar lo establecido y a abrazar lo nuevo. En un mundo que exige estar en constante cambio, BADA se convirtió en un reflejo de lo que significa ser verdaderamente libre y creativo.

Zona Maco 2025 Foto: La Fotografía Como Reflejo de la Realidad Contemporánea

La Zona Maco 2025 no solo fue una feria de arte, sino una experiencia que te hizo ver el mundo con nuevos ojos. Y dentro de este universo artístico, Zona Maco Foto destacó como uno de los espacios más esperados. Aquí, la fotografía no solo captura momentos; los transforma en historias visuales que nos invitan a cuestionar y reflexionar sobre nuestra sociedad, cultura y emociones.

Fotografía Documental: Un Lente Crítico Sobre lo Cotidiano

Este año, Zona Maco Foto presentó lo mejor de la fotografía documental, ofreciendo una mirada profunda sobre los problemas sociales, políticos y culturales que nos afectan. Los fotógrafos mostraron, con gran maestría, lo que está sucediendo en el mundo, pero de una forma que nos obligaba a reflexionar. Cada imagen era más que una simple instantánea; era una invitación a entender las historias que están detrás de cada uno de esos momentos capturados.

Fotografía Conceptual: La Realidad Reinterpretada

Junto a las poderosas obras documentales, también tuvimos una dosis de fotografía conceptual, que transformó la realidad en algo completamente nuevo. Estas obras no solo representan el mundo tal cual es, sino que lo reinterpretan, jugando con lo simbólico y lo filosófico. Es un tipo de fotografía que te hace pensar, explorar y cuestionar lo que ves, invitándote a mirar más allá de lo evidente.

El Premio Erarta 2025: El Público Decide

Uno de los momentos más emocionantes fue el Premio Erarta 2025, que permitió al público elegir a su artista favorito. Con sus votos, los asistentes a la feria decidieron que el fotógrafo estadounidense Rob Woodcox fuera el galardonado por su obra Otherworld. Este trabajo, que explora temas como la identidad y la conexión del ser humano con el cosmos, fue la pieza que cautivó al público y dejó una huella profunda en la edición de este año.

Un Encuentro Único

Con 81,500 personas asistiendo a la feria, Zona Maco Foto 2025 se consolidó como una cita imperdible para los amantes de la fotografía. Más que solo un espacio para admirar imágenes, fue una oportunidad para conectar, cuestionar y ampliar nuestra visión del mundo, a través de las lentes de los mejores fotógrafos contemporáneos.

"Near Dark" (1987): El Clásico Vampírico Que Rompió los Estereotipos del Género

Si eres un amante del cine de terror que busca algo más que los clichés tradicionales de vampiros, Near Dark (1987) es una obra que no puedes dejar de ver. Dirigida por Kathryn Bigelow, esta película es una de esas joyas ocultas que combina el horror con el western de manera única, mientras desafía las expectativas de lo que debe ser una historia de vampiros.

Un giro oscuro al mito del vampiro

Lo que distingue a Near Dark de otras películas de terror de los 80s es su enfoque radicalmente distinto sobre los vampiros. Aquí no hay castillos góticos ni la clásica estética romántica que caracteriza a las historias de Drácula. En su lugar, Bigelow nos presenta a un grupo de vampiros que viven como una banda de forajidos, sobreviviendo en el margen de la sociedad, viajando en camionetas y cazando a su siguiente víctima de forma brutal. Estos vampiros son más como nómadas de la muerte, auténticos depredadores cuyo único fin es la supervivencia. La película desafía la imagen convencional del "vampiro elegante" y, en su lugar, nos muestra seres sin compasión, atrapados en una existencia sin esperanza.

El terror en las sombras del desierto

El ambiente es uno de los mayores logros de la película. Bigelow utiliza el paisaje árido y polvoriento del desierto para crear una atmósfera desolada que refleja la naturaleza insostenible de la vida de los vampiros. La oscuridad no solo está en sus corazones, sino que se extiende por cada rincón de la película, donde el peligro acecha en la niebla de la noche. La iluminación y la fotografía, cortesía de Adam Greenberg, juegan un papel fundamental en este sentido, con sombras profundas y contrastes marcados que crean tensión y suspenso a cada paso.

Personajes inolvidables y una narrativa cruda

La película no solo es terrorífica por sus criaturas sobrenaturales, sino por los personajes que la habitan. La historia se centra en Caleb (interpretado por Adrian Pasdar), un joven que se ve arrastrado a este mundo oscuro después de un encuentro fatídico con una mujer llamada Mae (Jenny Wright), quien lo convierte en vampiro. A lo largo de la película, Caleb lucha por mantener su humanidad mientras se ve obligado a unirse a la banda de vampiros, liderada por el imponente Jesse (Lance Henriksen) y su violenta compañera Diamondback (Jeanne Tripplehorn).

Lo interesante es que Near Dark no solo es una película sobre vampiros, sino también sobre la lealtad, la familia disfuncional y el deseo de redención. A pesar de su naturaleza maldita, los vampiros tienen una extraña relación que los hace humanos, aunque sean monstruos.

Un estilo único de Bigelow

La dirección de Kathryn Bigelow es clave para que Near Dark sobresalga. Su estilo de acción crudo y directo, combinado con elementos de terror psicológico, ofrece una experiencia única. Bigelow, conocida por su capacidad para mezclar géneros, aquí logra que la película no solo sea una historia de vampiros, sino un viaje emocional y angustiante que mantiene al espectador al borde de su asiento.

¿Por qué ver Near Dark?

Para los amantes del cine de terror, Near Dark es una de esas películas que redefine lo que un filme de vampiros puede ser. Lejos de los convencionalismos de los años 80, nos ofrece una historia de terror visceral, cargada de emoción y con un enfoque único que deja una marca duradera. Si te gustan las películas de vampiros que desafían las normas y las expectativas del género, este es un clásico que debes incorporar a tu lista.

En resumen, Near Dark es una película que sobresale por su atmósfera, sus personajes complejos y su capacidad para mezclar géneros de forma magistral. Es una obra de terror que, más de 30 años después de su estreno, sigue siendo relevante y esencial para los fanáticos del cine de terror que buscan algo más allá de lo convencional.

2024 en el Cine de Terror: De Remakes Fallidos a Joyas Inesperadas

El 2024 fue un año lleno de gritos, sustos y mucha sangre en el cine de terror. Pero, como siempre, hubo algunas joyas que nos dejaron al borde del asiento y otras que, sin piedad, terminaron siendo una decepción. Si eres un fanático del terror, sabrás que el género puede ser impredecible. A continuación, te presentamos lo mejor y lo peor del cine de terror del 2024, con un toque de nuestras propias recomendaciones.

 A pesar de que el cine de terror siempre nos da razones para asustarnos, este año también nos dejó con algunas películas que no lograron ni siquiera dar el mínimo miedo esperado. Si alguna vez pensaste que el cine de terror moderno podría traernos algo nuevo, te tenemos malas noticias con estas dos películas:

1. The Crow (Rupert Sanders)

La película que muchos esperaban como el regreso de una leyenda no logró ni acercarse a las expectativas. El remake de The Crow, dirigida por Rupert Sanders, fue un desastre en muchos aspectos. En lugar de hacer honor al sombrío clásico de 1994, nos entregó una versión vacía, llena de efectos digitales y una historia que nunca logró emocionar. El intento de modernizar la tragedia de Eric Draven se sintió como una simple copia que carecía de la esencia gótica y trágica que hizo grande a la original.

2. Hellboy: The Crooked Man

No podíamos esperar mucho de este reboot de Hellboy, pero aún así The Crooked Man nos dejó muy desilusionados. La historia prometía algo oscuro y perturbador, pero se diluyó rápidamente en una mezcla de CGI sobrecargado y un guion que nunca llegó a aterrarnos. La dirección trató de ofrecer algo diferente a lo que vimos en las versiones anteriores, pero al final resultó un entretenimiento olvidable, sin la profundidad que hace que los personajes de Hellboy realmente sobresalgan en el cine de terror.

Las sorpresas del 2024: Películas que nos sorprendieron para bien

Pero no todo fue oscuridad en 2024. Hubo algunas películas que, sin que las esperáramos demasiado, lograron captar nuestra atención de una manera increíble. Estas son las sorpresas que realmente nos hicieron gritar de emoción.

1. Lisa Frankenstein

El nombre puede sonar raro, pero créeme: Lisa Frankenstein es una de las películas que más nos sorprendió este año. Imagina una especie de mezcla entre Frankenstein y el espíritu de las comedias de terror de los 80, pero con un toque de frescura. Lisa Frankenstein juega con los clichés del género, pero lo hace de manera tan divertida y desenfadada que no puedes dejar de disfrutarlo. Un giro moderno, divertido y bastante macabro a la historia clásica.

2. Abigail

Otra sorpresa que, aunque pasó desapercibida para muchos, es una joya del terror psicológico. Abigail explora el miedo de lo desconocido y lo paranormal de una forma que realmente te mantiene atrapado. Con una atmósfera inquietante y personajes profundos, esta película nos recordó lo que hace grande al cine de terror: la capacidad de sumergirnos en el miedo sin necesidad de gritos innecesarios. Una historia que se desarrolla lentamente y termina con un golpe que deja huella.

Las mejores películas de terror del 2024: Lo que realmente asusta

Ahora, si hablamos de lo mejor de 2024, tenemos que hablar de las películas que nos mantuvieron despiertos por la noche, con esa sensación incómoda en el estómago que solo el buen cine de terror sabe provocar. Estas son las películas que realmente marcaron la diferencia este año:

5. Trap

Trap es un thriller psicológico que nos dejó pegados al asiento de principio a fin. La historia de un grupo de personas atrapadas en un escenario inquietante y peligroso nos dejó con la piel de gallina. Aunque no inventa nada nuevo, logra mantener la tensión constante y nos lleva por un viaje oscuro y lleno de giros inesperados. Los fanáticos de los thrillers de terror disfrutarán muchísimo de esta película.

4. Smile 2

La secuela de Smile llegó con más sustos y mucho más terror psicológico. Si te dejó inquieto la primera parte, Smile 2 eleva la apuesta con una historia aún más perturbadora. La película profundiza más en los horrores mentales y en cómo el miedo se transmite de formas inesperadas. Si eres fanático del horror psicológico y los giros oscuros, esta es una de las películas que no puedes perderte.

3. Longlegs

Longlegs es una de esas películas que no solo te asustan, sino que también te hacen pensar. Con un ritmo lento pero constante, esta historia sobre una figura misteriosa que acecha a sus víctimas en la oscuridad juega con el terror psicológico, dejándonos en un constante estado de incomodidad. El horror se va construyendo de manera sutil pero efectiva, y cuando menos lo esperas, te encuentras completamente atrapado en su mundo aterrador.

2. Exhuma

Si hay una película que realmente entendió el concepto de horror visceral en 2024, esa es Exhuma. Este thriller de terror explora los límites del sufrimiento humano y lo sobrenatural de una manera brutal y sin reservas. Con una atmósfera espeluznante y una historia que no tiene miedo de adentrarse en lo macabro, Exhuma es una de las experiencias más perturbadoras que el cine de terror nos ofreció este año.

1. The Substance

Sin duda, la mejor película de terror de 2024 fue The Substance. Esta película no solo nos asustó, sino que también nos hizo pensar en el terror de una manera completamente nueva. Con una narrativa no lineal y una atmósfera inquietante, The Substance nos lleva por un viaje alucinante que explora la mente humana y sus miedos más profundos. El terror aquí no es solo lo visible, sino también lo intangible, lo que hace que esta película sea una de las más aterradoras y fascinantes de los últimos años.

Conclusión: El terror sigue vivo en 2024

Aunque el cine de terror en 2024 nos dejó tanto películas para olvidar como algunas joyas inolvidables, lo cierto es que el género sigue estando más vivo que nunca. Con sorpresas como Lisa Frankenstein y Abigail, y las aterradoras apuestas de Exhuma y The Substance, no cabe duda de que el terror continuará acechando nuestras pantallas en los próximos años. ¡El miedo nunca pasa de moda!