Scared Shitless: cuando el horror viene por las tuberías

 Hay enemigos que llegan por la puerta. Otros rompen ventanas. Y luego están los que se deslizan silenciosamente por donde menos quieres mirar. Scared Shitless toma ese miedo cotidiano, casi ridículo en apariencia, y lo convierte en una pesadilla viscosa que habita justo debajo de nuestros pies.

Todo comienza con lo ordinario: un fontanero y su hijo, dos figuras que viven de arreglar lo que nadie quiere tocar. Pero hay un pequeño detalle que cambia el juego… el hijo tiene fobia a los gérmenes. Lo que para otros es incomodidad, para él es terror puro.

Y entonces, el sistema de tuberías deja de ser solo tuberías.

El monstruo en lo invisible

La criatura en Scared Shitless no llega con presentación dramática. No hay advertencias ni señales épicas. Simplemente está ahí, moviéndose en la oscuridad húmeda, creciendo, mutando, esperando.

Genéticamente modificada y con hambre de carne, esta entidad convierte el edificio en un laberinto orgánico donde cada lavabo, cada drenaje y cada tubería se vuelve una posible trampa. Es horror íntimo. Cercano. Inevitable.

Porque no puedes escapar de algo que está dentro de la estructura misma del lugar donde vives.

Asco, miedo… y crecimiento

Lo brillante del concepto está en su núcleo emocional. El hijo no solo enfrenta un monstruo externo, también enfrenta su propia mente. Su fobia no es un detalle decorativo, es el obstáculo principal.

Cada paso que da, cada superficie que toca, cada decisión que toma, es una batalla doble: contra la criatura… y contra sí mismo.

El padre, por otro lado, representa la experiencia, la resistencia. Pero incluso él se ve superado por algo que no puede arreglar con herramientas tradicionales. Aquí no basta con saber cómo funcionan las tuberías… hay que sobrevivir a lo que vive dentro de ellas.

Terror con olor a realidad

Scared Shitless juega con una idea incómodamente efectiva: el horror no necesita castillos ni bosques. Puede vivir en lo cotidiano. En lo que usamos todos los días.

La película apuesta por una mezcla de tensión y repulsión. No busca que te sientes cómodo. Al contrario, quiere que mires tu lavabo diferente después de verla.

Y lo logra.

¿Serie B o joya escondida?

Con un concepto que roza lo absurdo pero lo ejecuta con convicción, Scared Shitless se posiciona en ese delicioso terreno del cine de culto potencial. Donde lo exagerado se vuelve memorable y lo grotesco encuentra su propia estética.

No es terror elegante. Es terror que salpica.

Te pueden interesar si te gustó Scared Shitless

Si conectaste con este tipo de horror corporal, claustrofóbico y un poco irreverente, estas películas pueden seguir alimentando esa paranoia doméstica:

Slither (2006) – Parásitos, mutaciones y humor negro en una invasión alienígena grotesca.

The Stuff (1985) – Una sustancia misteriosa que la gente consume… hasta que ella empieza a consumirlos a ellos.

Squirm (1976) – Gusanos que emergen del suelo para reclamar territorio humano.

Gremlins (1984) – Caos desatado por pequeñas criaturas que convierten lo cotidiano en desastre.

Veredicto #LoOcultoDelCine

Scared Shitless es de esas películas que no solo ves… sobrevives. Juega con tus fobias, se mete bajo tu piel y se queda ahí, como una idea incómoda que no puedes ignorar.

Porque después de todo, el verdadero terror no siempre viene de lo desconocido…

a veces viene de lo que ya forma parte de tu rutina.

Y la próxima vez que escuches un ruido en la tubería…

tal vez no quieras saber qué hay del otro lado.

The Barn (2016): Halloween, sangre y rock en el granero maldito

Hay noches que parecen diseñadas para no terminar bien. Halloween de 1989 es una de ellas. Entre disfraces, carreteras secundarias y promesas de libertad antes de la vida adulta, The Barn (2016) se construye como una carta de amor al terror ochentero… pero escrita con sangre.

Sam y Josh no buscan problemas. Solo quieren exprimir hasta la última gota de su última “Noche del Diablo” antes de graduarse. El plan es simple: un concierto de rock, amigos, y una despedida digna de la adolescencia. Pero como toda buena historia de horror sabe, los planes simples son los primeros en romperse.

Un desvío.

Un granero abandonado.

Y algo que nunca debió despertar.

El terror tiene forma… y máscara

The Barn no pierde el tiempo en esconder sus influencias. Aquí el horror es físico, tangible, casi teatral. Las criaturas que emergen del granero no solo son amenazas: son espectáculos grotescos que parecen haber escapado directamente de una pesadilla VHS.

Cada monstruo tiene personalidad, presencia y una intención clara: convertir la noche en un juego mortal. No hay metáforas complicadas ni capas innecesarias. Es terror directo al nervio, con maquillaje práctico que celebra una era donde lo monstruoso se construía con látex, creatividad y mucha oscuridad.

Adolescencia vs. pesadilla

Lo interesante es cómo la película contrapone dos mundos: el de la juventud despreocupada y el del horror absoluto. Sam y Josh representan ese momento donde todo parece posible… hasta que deja de serlo.

El granero funciona como un portal simbólico. No solo desata criaturas, también rompe la ilusión de invulnerabilidad. De pronto, la fiesta termina y comienza la supervivencia.

Y ahí está el corazón de la historia: no se trata solo de escapar, sino de proteger. De crecer a la fuerza, con miedo en el pecho y decisiones que pesan más que cualquier examen final.

Rock, sangre y nostalgia

La música juega un papel clave. No es solo fondo, es identidad. El rock acompaña cada momento como si fuera el latido de la película, conectando con esa vibra rebelde de finales de los 80.

The Barn entiende perfectamente su ADN: no quiere reinventar el género, quiere celebrarlo. Y lo hace con guiños constantes a clásicos del slasher y al cine de criaturas, sin caer en la parodia.

¿Por qué verla hoy?

Porque en un panorama saturado de terror pulido y digital, The Barn apuesta por lo artesanal. Por lo imperfecto. Por lo visceral.

Es una película que se siente como encontrar un cassette olvidado en una caja vieja… y descubrir que todavía tiene algo que decir.

Te pueden interesar si te gustó The Barn

Si esta mezcla de Halloween, criaturas y adolescentes al borde del desastre te atrapó, estas películas podrían ser tu siguiente parada nocturna:

Trick 'r Treat (2007) – Historias cruzadas en una noche donde las reglas de Halloween importan… y romperlas tiene consecuencias.

Night of the Demons (1988) – Fiesta en una casa embrujada que se convierte en un descenso al caos.

The Monster Squad (1987) – Jóvenes enfrentando criaturas clásicas con ingenio y valentía.

Hell Fest (2018) – Terror moderno con esencia slasher en un parque temático.

Veredicto #LoOcultoDelCine

The Barn es un viaje directo al corazón del terror retro. No pretende ser elegante ni profundo… y justo por eso funciona. Es ruidosa, sangrienta y orgullosa de serlo.

Una noche, un granero y el tipo de horror que no pide permiso para quedarse en tu cabeza.

Así que si escuchas música a lo lejos…

y ves un camino alterno en Halloween…

quizá lo mejor sea no tomarlo.

Homicycle (2014): El jinete de la noche que nadie vio venir

En algún rincón olvidado del mapa, donde el polvo se mezcla con el miedo y el silencio pesa más que las palabras, nace Homicycle (2014), una película que parece susurrar en lugar de gritar, pero cuya violencia resuena como un disparo en la madrugada.

La premisa es simple, casi como un mito urbano contado a media voz: una pequeña ciudad vive bajo el dominio de una banda de narcotraficantes. No hay héroes, no hay ley. Solo rutinas quebradas por el crimen… hasta que aparece él.

Un hombre de negro.

Sin nombre.

Sin pasado.

Montado en una motocicleta que ruge como si viniera de otro mundo.

El vigilante sin rostro

Homicycle juega con una figura que el cine ha explorado muchas veces, pero aquí adquiere un tono distinto. Este personaje no busca justicia en el sentido clásico. No hay discursos, no hay redención. Solo acción. Precisa, fría, casi mecánica.

Cada aparición del motociclista se siente como una interrupción del orden criminal, pero también como una amenaza en sí misma. ¿Es un salvador o una fuerza de destrucción que simplemente eligió un objetivo?

La película nunca responde del todo… y ahí está su encanto.

Una atmósfera que se respira, no se explica

Visualmente, Homicycle apuesta por lo minimalista. Calles vacías, luces tenues y una sensación constante de abandono construyen un escenario donde la tensión no necesita música estridente para existir.

La motocicleta no solo es un medio de transporte: es un símbolo. Representa velocidad, escape y, al mismo tiempo, inevitabilidad. Cuando se escucha a lo lejos, sabes que algo va a terminar mal para alguien.

Violencia como lenguaje

Aquí no hay coreografías estilizadas ni glorificación exagerada. La violencia en Homicycle es seca, directa, incómoda. Funciona como un idioma que todos los personajes entienden, incluso cuando no dicen una sola palabra.

Este enfoque le da a la película una identidad cruda, alejándola del cine de acción convencional y acercándola a un terreno más experimental, donde lo importante no es el “qué pasa”, sino el “cómo se siente”.

¿Culto oculto?

Aunque no tuvo un gran impacto comercial, Homicycle tiene todos los ingredientes para convertirse en una joya de culto: un protagonista enigmático, una narrativa ambigua y una estética que se queda pegada como humo en la ropa.

Es de esas películas que no buscan gustarle a todos. Prefiere encontrar a su audiencia en la oscuridad, entre quienes disfrutan descifrar silencios y abrazar lo incómodo.

Veredicto #LoOcultoDelCine

Homicycle no es una película para ver con distracciones. Es para sumergirse, para dejarse envolver por su ritmo lento y su violencia inesperada. Es cine que no pide permiso… simplemente aparece, como ese motociclista, y desaparece dejando preguntas en el aire.

Y tal vez esa sea su mayor virtud:

no intenta explicarse… solo existir.

Dos películas de terror que debes ver si crees que ya lo viste todo

 El cine de terror no siempre grita. A veces susurra, se retuerce y te deja con una sensación pegajosa que no se va ni con la luz encendida. Para quienes buscan algo más allá del susto fácil, estas dos películas contemporáneas son visitas obligadas. No prometen comodidad. Prometen obsesión.

Cat Sick Blues

Dir. Dave Jackson

Desde Australia llega esta joya incómoda que mezcla terror psicológico, gore artesanal y una tristeza que se siente enferma. Cat Sick Blues sigue a un joven marginado cuya obsesión con los gatos muertos lo arrastra a un descenso brutal hacia la violencia y el aislamiento.

No es una película para todos. Su estética es cruda, casi sucia, con una narrativa que parece construida desde la obsesión misma del personaje. Aquí el horror no viene de monstruos externos, sino de la soledad, el duelo y una mente que se rompe en cámara lenta.

Es cine de terror DIY, heredero del espíritu grindhouse y del horror underground, donde cada escena parece decirte: “esto no debería existir… pero existe”. Ideal para quienes disfrutan el terror extremo con fondo emocional y cero concesiones.

Good Boy

Dir. Viljar Bøe

Si el terror social y psicológico es lo tuyo, Good Boy juega en una liga inquietante. La historia arranca como un drama romántico extraño y lentamente se transforma en algo profundamente perturbador. Una cita, una casa elegante, un hombre encantador… y un secreto que no debería ser aceptable, pero lo es. Al menos para algunos.

La película explora la dinámica de poder, la dependencia emocional y los límites morales con una calma que asusta más que cualquier sobresalto. No hay sangre gratuita. Hay miradas largas, silencios incómodos y una sensación constante de que algo está mal… aunque nadie quiera decirlo en voz alta.

Good Boy es terror moderno, minimalista, europeo, donde el verdadero miedo nace de lo que somos capaces de normalizar.

¿Por qué deberías verlas?

Porque ambas películas demuestran que el terror sigue mutando.

Porque no buscan gustarte, sino quedarse contigo.

Porque hablan de obsesión, soledad y relaciones tóxicas desde lugares radicalmente distintos, pero igual de incómodos.

Si eres fan del cine de terror que se arriesga, que incomoda y que no te trata como espectador pasivo, estas dos películas merecen un lugar en tu lista. No saldrás ileso. Y de eso se trata.

3 trabajos que debes ver de Gerardo Taracena

Hay actores que no solo interpretan personajes, los invocan.

Gerardo Taracena pertenece a esa estirpe. Su presencia en pantalla tiene algo ritual, incómodo, casi peligroso. No importa si pisa una serie, una mina abandonada o un relato sobrenatural: cuando aparece, el ambiente se enrarece.

Si te atrae el cine y las series donde el terror se filtra por la piel, estos son tres trabajos esenciales de Taracena que debes ver.

Diablero (Netflix)

Aquí Taracena se mueve entre lo demoníaco y lo terrenal con absoluta naturalidad. Diablero mezcla folclor mexicano, posesiones y violencia urbana, y su participación aporta peso, amenaza y una sensación constante de que algo antiguo está a punto de despertar.

Presencias (2022)

Un thriller sobrenatural donde el horror se construye desde lo cotidiano. Taracena aporta gravedad y misterio a una historia de casas malditas, culpas heredadas y presencias que no descansan. Su actuación es contenida, pero inquietante, como una sombra que siempre está fuera de foco.

La niña de la mina (2021)

Terror mexicano que abraza la leyenda.

Ambientada en un pueblo marcado por la tragedia, esta película utiliza el mito como herida abierta. Taracena encaja perfecto en este universo: rostro curtido, silencios largos y una energía que conecta lo humano con lo sobrenatural.

Come Out and Play (2022)

Violencia psicológica y horror moderno.

En esta cinta, el terror no necesita monstruos clásicos. La amenaza se siente cercana, física, real. Taracena aporta intensidad y una sensación constante de peligro latente, ideal para quienes disfrutan el horror incómodo y tenso.

Un rostro recurrente del horror mexicano

Gerardo Taracena se convertio en un rostro clave del terror y thriller nacional. No porque repita fórmulas, sino porque habita la oscuridad con una autenticidad difícil de imitar.

Si sigues #LoOcultoDelCine, estos títulos son paradas obligatorias en tu recorrido nocturno.

Las 5 mejores películas de folk horror que todo amante del terror debe ver

El cine de terror no siempre grita. A veces susurra. A veces canta canciones paganas alrededor de una fogata. A veces excava tumbas antiguas o vuelve leyenda lo que creíamos enterrado.

En Lo Oculto Del Cine celebramos ese horror que no se consume rápido, el que se queda contigo como una sombra larga al final del pasillo.

Si tienes entre 18 y 40 años y tu algoritmo mezcla cine de culto, folclore oscuro y pesadillas bien filmadas, esta lista es para ti.

1. La Bruja (The VVitch)

Un rezo envenenado filmado con precisión quirúrgica.

Robert Eggers convierte el miedo religioso en un animal salvaje que se pasea por el bosque. Aquí el terror no necesita jumpscares: se alimenta de silencios, miradas y cabras que saben demasiado. Una experiencia densa, hipnótica y profundamente incómoda.

2. Gaua

Cruda, atmosférica y con raíces profundamente rituales.

Gaua se siente como encontrar una película prohibida en una videoteca olvidada. Es terror que se cocina lento, con tierra bajo las uñas y una sensación constante de que algo ancestral observa desde fuera del encuadre.

 3. The Wicker Man (1973)

El abuelo del folk horror moderno.

Sol, música alegre y una isla donde nadie parece mentir… del todo. Esta película demuestra que el horror más efectivo puede vestirse de colores brillantes. Su final es historia pura del cine y sigue ardiendo en la memoria colectiva.

 4. Exhuma

Cuando el terror escarba demasiado profundo.

Exhuma juega con lo arqueológico, lo espiritual y lo prohibido. Cada capa que se levanta revela algo peor. Ideal para quienes disfrutan el horror que mezcla mitología, cadáveres inquietos y una tensión que no pide permiso.

 5. La Llorona (2029)

El mito que nunca descansa.

Esta reinterpretación futura promete llevar la leyenda mexicana a territorios aún más oscuros. No solo es un fantasma: es memoria, culpa y un lamento que atraviesa generaciones. Una muestra de cómo el folclor sigue evolucionando dentro del cine de culto.

 Porque el terror también es ritual

Estas películas no solo se ven, se invocan. Son historias que dialogan con lo pagano, lo ancestral y lo prohibido. Cine para quienes saben que el verdadero miedo no siempre corre… a veces camina despacio y sonríe.

Si este tipo de cine te llama, ya formas parte de Lo Oculto Del Cine.

Aquí seguimos explorando lo que vive entre sombras, cintas viejas y pantallas encendidas a medianoche.

No Apagues la Luz: Las 10 Mejores Películas de Terror de 2025

 2025 fue un año donde el cine de terror dejó de tocar la puerta y decidió colarse por la ventana. Un año de autores afilados, remakes que sí entendieron el legado que cargaban sobre los hombros y películas que nos recordaron que el miedo no siempre grita… a veces susurra, se queda y no se va.

Entre experimentos incómodos, regresos gloriosos y algunas caídas estrepitosas, el horror vivió uno de sus momentos más interesantes de la década. Hubo monstruos clásicos reinventados con respeto, nuevas voces dispuestas a romper reglas y relatos que apostaron por la incomodidad emocional antes que el susto fácil.

No todo sobrevivió a la noche.

La peor pelicula del año fue I Know What You Did Last Summer de Jennifer Kaytin Robinson, una cinta que confundió nostalgia con piloto automático y demostró que no todo recuerdo merece ser desenterrado.

En contraste, el apartado de mejores remakes fue territorio sagrado.

Guillermo del Toro entregó un Frankenstein lleno de melancolía, carne y alma, mientras Robert Eggers convirtió Nosferatu en una experiencia hipnótica, enfermiza y profundamente elegante. Dos recordatorios de que rehacer un clásico no es copiarlo, sino invocarlo correctamente.

Tormento, de Olallo Rubio, se alza como la mejor película mexicana de terror de 2025. En una morgue donde el silencio pesa más que los cuerpos, una guardia de seguridad descubre que las sombras no solo observan: esperan. Un descenso asfixiante hacia un horror íntimo, inevitable y sin retorno.

Y ahora sí… apaguen la luz y prepárense para lo que realmente importa.

Estas son las 10 mejores películas de horror de 2025, aquellas que nos perturbaron, nos sorprendieron y, en algunos casos, nos dejaron mirando al techo a las tres de la mañana:

10. Locked – David Yarovesky

Un thriller claustrofóbico donde el encierro es más psicológico que físico. Yarovesky juega con la paranoia y la violencia contenida, convirtiendo espacios cotidianos en trampas mentales. Sucia, directa y angustiante.

9. Revelations – Yeon Sang-ho

El director de Train to Busan regresa con una historia donde la fe, el fanatismo y la culpa se transforman en verdadero horror. Una película incómoda que mezcla terror social y sobrenatural con un tono oscuro y desesperanzador.

8. The Ugly Stepsister – Emilie Blichfeldt

Un cuento de hadas retorcido que transforma la belleza en castigo. Body horror, humor negro y crítica social se entrelazan en una propuesta tan grotesca como fascinante. Nada aquí es bonito… ni pretende serlo.

7. The Monkey – Oz Perkins

Basada en un relato de Stephen King, esta cinta convierte un objeto cotidiano en un detonante de fatalidad. Perkins apuesta por la atmósfera, el silencio y el miedo que se cocina lentamente, como una amenaza que nunca se explica del todo.

6. The Shrouds – David Cronenberg

Cronenberg regresa al horror desde el duelo, la tecnología y el cuerpo. Una película fría, perturbadora y profundamente humana, donde el amor y la muerte se funden en una pesadilla existencial imposible de sacudir.

5. Bring Her Back – Hermanos Philippou

Los Philippou vuelven a explorar el trauma desde el horror más visceral. Una historia de pérdida y obsesión que se transforma en una experiencia intensa, emocionalmente devastadora y con momentos que se quedan grabados en la piel.

4. Together – Michael Shanks

Una relación llevada al límite cuando lo sobrenatural comienza a filtrarse en la intimidad de la pareja. Terror emocional, silencioso y progresivo, donde el verdadero miedo nace del vínculo y no del monstruo.

3. Good Boy – Ben Leonberg

Una premisa aparentemente sencilla que esconde una inquietud constante. La inocencia se distorsiona, la tensión nunca baja y la película juega con el espectador hasta hacerlo dudar de todo lo que está viendo.

2. Weapons – Zach Cregger

Una de las propuestas más ambiciosas del año. Narrativa fragmentada, horror colectivo y una sensación permanente de amenaza. Cregger confirma que sabe cómo incomodar y sorprender sin subestimar al espectador.

1. Sinners – Ryan Coogler

La gran sorpresa del año. Coogler se sumerge en el horror con una historia poderosa, oscura y profundamente simbólica. Terror social, culpa y violencia se mezclan en una cinta que no solo asusta: deja cicatriz.

Diez películas que no solo entendieron el miedo, sino que supieron moldearlo, romperlo y volverlo personal. Bienvenidos al lado oscuro de 2025.

Esto es cine de horror. Esto es #LoOcultoDelCine.

Violent Shit: la brutal semilla del gore alemán

 Antes de que internet nos acostumbrara a ver cualquier cosa, hubo un tiempo en que las películas más violentas se pasaban de mano en mano como si fueran contrabando. En ese mundo subterráneo del VHS nació una joya tan enferma como legendaria: Violent Shit, la ópera prima del alemán Andreas Schnaas, un nombre que se volvió sinónimo de carnicería cinematográfica.

Rodada en 1989 con amigos, sangre falsa y una cámara prestada, Violent Shit no pretende engañar a nadie. Su título lo dice todo: es una orgía de mutilaciones, desmembramientos y cuerpos destripados. No hay sutilezas, no hay metáforas. Solo pura destrucción grabada con el entusiasmo de un adolescente que quiere romper todas las reglas del buen gusto.

La historia (si puede llamarse así)

La trama es simple: un asesino psicópata llamado Karl the Butcher escapa de prisión y desata una ola de violencia brutal por toda Alemania. Pero más allá de eso, Violent Shit no busca contar una historia… busca provocar. Cada escena está diseñada para incomodar, para que el espectador sienta el peso de lo grotesco, del exceso.

Y lo más sorprendente es que Schnaas tenía apenas 22 años cuando la filmó. Sin presupuesto, sin permisos, y con efectos caseros hechos de vísceras de carnicero, el resultado fue una película que, aunque técnicamente desastrosa, se convirtió en una declaración de guerra contra el cine convencional.

Cuando el underground se volvió radical

En plena Alemania de los 80, marcada por la censura y las normas rígidas de la BBFC, Violent Shit fue una bomba. Fue prohibida, confiscada y condenada como una amenaza moral. Pero en los márgenes del horror, eso solo significaba una cosa: culto instantáneo.

Los fanáticos del gore la buscaron como quien persigue un mito. Era el tipo de cinta que te pasaban en una copia borrosa, en una noche clandestina entre amigos que querían ver “la película más brutal jamás hecha”. Y en su tosquedad había una especie de autenticidad que Hollywood jamás podría recrear.

Del caos nació un ícono

Karl the Butcher se convirtió en el asesino insignia del splatter alemán, un género que Schnaas continuó expandiendo en secuelas aún más violentas: Violent Shit II: Mother Hold My Hand (1992), Violent Shit III: Infantry of Doom (1999) y Karl the Butcher vs Axe (2010). Cada una más absurda, más sangrienta, más desvergonzada.

Violent Shit no es para todos. Es fea, ruidosa y técnicamente horrible. Pero también es honesta. Es el grito de un director que quiso hacer cine sin pedir permiso, y en el proceso abrió las puertas a toda una generación de creadores independientes que entendieron que el terror también podía ser punk.

¿Por qué sigue siendo importante?

Porque detrás de toda su violencia absurda hay un mensaje: el cine de terror no necesita millones ni aprobación para existir. Solo necesita una cámara, imaginación… y el valor de ir más allá del límite.

En un mundo donde el horror cada vez es más pulido y calculado, Violent Shit se siente como un regreso a la esencia del caos: sucio, visceral y peligrosamente auténtico.

¿Te atreverías a verla sin apartar la mirada?

To Kako: el apocalipsis zombie que despertó en Grecia

Antes de que The Walking Dead convirtiera a los zombis en entretenimiento de domingo, en 2005 un grupo de cineastas griegos decidió devolverles su esencia: la podredumbre, el caos y la sangre. Así nació To Kako (The Evil), dirigida por Yorgos Noussias, la primera película de zombis hecha en Grecia… y una de las más salvajemente extrañas del género.

Filmada con bajo presupuesto, humor negro y litros de hemoglobina artesanal, To Kako es un estallido de energía punk dentro del cine de terror europeo. Une lo grotesco con lo absurdo, lo clásico con lo delirante, y convierte las calles de Atenas en un infierno donde la muerte camina, muerde y no deja sobrevivientes.

Cuando el mal despertó bajo la tierra

La historia comienza en un túnel de construcción, donde un grupo de obreros despierta accidentalmente una antigua fuerza maligna sepultada durante siglos. En cuestión de horas, Atenas se transforma en un campo de batalla: hordas de muertos vivientes atacan a los vivos en una espiral de violencia que no da respiro.

Pero lo que hace a To Kako diferente no es solo su trama —que mezcla mitología griega con horror moderno—, sino su tono: es una película que no se toma demasiado en serio. Hay humor grotesco, personajes que mueren de maneras absurdas y una edición tan frenética que parece salida de un cómic bañado en sangre.

Zombis a la griega

Noussias no intenta copiar el estilo estadounidense ni el italiano. Su cine es local, caótico y sucio. Las calles atiborradas, las ruinas modernas, los gritos en griego y los efectos prácticos crean una atmósfera única, donde lo apocalíptico se mezcla con lo cultural.

Aquí, el horror no viene solo de los zombis, sino del propio colapso de una ciudad que parece desmoronarse desde dentro. Atenas no es un simple escenario: es otro cadáver que camina.

El nacimiento de un culto inesperado

Contra todo pronóstico, To Kako se convirtió en una sensación dentro del circuito underground europeo. Fue proyectada en festivales de horror, pirateada en foros y celebrada por fanáticos del gore que encontraron en ella un aire fresco entre tanta fórmula repetida.

El éxito fue tan rotundo que Noussias regresó con una secuela aún más delirante: To Kako in the Time of Heroes (2009), donde hasta Billy Zane aparece empuñando una espada en una guerra ancestral entre vivos y muertos.

Por qué debes verla

Porque To Kako es la prueba de que el cine de terror puede surgir desde cualquier rincón del planeta y seguir siendo brutal, divertido y provocador. Es la respuesta griega al cine de Romero, pero con un toque de locura balcánica que la vuelve única.

Si crees que ya has visto todas las invasiones zombis posibles, esta te va a sorprender. No solo por su sangre, sino por su energía: esa mezcla entre parodia y pesadilla que solo el cine de culto puede ofrecer.

¿Te atreves a entrar en el túnel donde todo comenzó?

August Underground: el descenso más enfermizo del cine extremo

 Hay películas que buscan asustarte, otras que pretenden perturbarte, y luego está August Underground, una experiencia que no solo desafía los límites del horror… sino también los del estómago.

Dirigida por Fred Vogel en 2001, esta cinta se convirtió en uno de los títulos más infames del cine underground estadounidense. Olvida los efectos especiales y los monstruos sobrenaturales: aquí, el monstruo es humano, y lo que ves parece grabado con la cámara de un psicópata real.

El falso snuff que parecía real

En plena era del VHS, cuando el realismo aún podía confundirse con verdad, August Underground circuló como una supuesta cinta snuff —ese tipo de video prohibido donde alguien es torturado y asesinado ante la cámara—. La película muestra a dos asesinos disfrutando de sus crímenes con una naturalidad escalofriante, grabándolo todo con una cámara casera, sin guion, sin estructura… solo pura degradación.

Su estética sucia y su fotografía granulada no son casualidad: Fred Vogel y su equipo buscaron recrear la crudeza del video amateur para hacerlo más verosímil. El resultado fue tan convincente que incluso el propio Vogel fue arrestado en Canadá bajo sospecha de haber filmado un asesinato real.

Una experiencia, no una historia

No hay narrativa en el sentido tradicional. No hay héroes, ni moralejas. August Underground es más bien un viaje a la mente enferma del asesino. La cámara se mueve entre vísceras, risas psicóticas y un ambiente tan nauseabundo que pocos llegan al final sin apartar la vista.

Esto no es cine para entretener. Es cine para poner a prueba tus límites.

Y quizá por eso se convirtió en leyenda.

De la repulsión al culto

Pese (o gracias) a su infamia, August Underground dio origen a una trilogía que incluye August Underground’s Mordum (2003) y August Underground’s Penance (2007). Juntas forman una especie de descenso progresivo a la locura, donde el horror deja de ser ficción para convertirse en un espejo de la violencia humana.

La saga fue prohibida en varios países, retirada de festivales y censurada en tiendas, pero eso solo alimentó su fama. Con los años, se transformó en una pieza de culto, una referencia obligada para los fanáticos del cinema extremo y del gore experimental.

¿Por qué verla hoy?

Porque August Underground no solo es una película: es un reto.

Es un recordatorio de que el terror puede ir más allá del entretenimiento, hasta tocar territorios incómodos, donde el espectador se convierte en cómplice de lo que mira.

Si crees haberlo visto todo —de Martyrs a A Serbian Film—, August Underground te demostrará que aún quedan límites por cruzar… y que algunos quizá es mejor no hacerlo.

Animale: fuerza, deseo y la amenaza latente en Camargue

Con Animale, la directora francesa Emma Benestan nos traslada a Camargue, una región donde la tradición taurina marca el pulso de la vida local. En este entorno dominado por la fuerza y la resistencia, la cineasta coloca en el centro a Nejma, una joven que desafía la hegemonía masculina para perseguir su sueño: convertirse en la gran figura de las competiciones anuales de toros.

La película se mueve con naturalidad entre el realismo social y los ecos del thriller, combinando la crudeza de los entrenamientos con una tensión cada vez más palpable en el aire. Cuando varias desapariciones misteriosas sacuden al pueblo, los rumores de que una bestia salvaje acecha funcionan como metáfora de los miedos colectivos y de las amenazas que pesan sobre quienes osan romper con lo establecido.

Benestan explora con sutileza la intersección entre género, poder y tradición. Nejma no solo lucha contra toros: también combate el peso de un mundo que le recuerda constantemente que no pertenece allí. En ese choque, la película encuentra su núcleo emocional y político, revelando la vulnerabilidad y, al mismo tiempo, la obstinación de su protagonista.

La dirección apuesta por un lenguaje visual cargado de tensión: los planos cerrados sobre los cuerpos en movimiento, la tierra que se levanta en la arena, el silencio expectante antes de cada enfrentamiento. Todo contribuye a generar una atmósfera inquietante que envuelve tanto la competición como la amenaza externa que se cierne sobre la comunidad.

Animale logra ser a la vez un drama de emancipación y un relato de suspenso. La lucha de Nejma no se limita a conquistar la arena: también implica enfrentarse a las narrativas heredadas y a los monstruos —reales o imaginados— que acechan desde la sombra.

Con este largometraje, Emma Benestan consolida una voz cinematográfica que sabe dialogar con la tradición y la subversión, ofreciendo un cine que interpela, emociona y deja resonando la pregunta: ¿de qué bestias, visibles e invisibles, necesitamos liberarnos?

Rotten Tomatoes:

https://www.rottentomatoes.com/m/animale

The Ugly Stepsister: la reescritura de un mito desde la herida

 En su primer largometraje, Emilie Blichfeldt se adentra en el universo de los cuentos de hadas para dinamitarlo desde adentro. The Ugly Stepsister no es una simple reinterpretación de Cenicienta: es una radiografía íntima de la envidia, la exclusión y la obsesión por un ideal de belleza que ha marcado generaciones enteras.

La directora, conocida por su mirada crítica y feminista, construye un relato que despoja al mito de su ingenuidad para mostrar el costo emocional de quienes, por no cumplir los estándares, quedan relegadas a ser antagonistas en historias ajenas. Lo que tradicionalmente se ha visto como un personaje secundario “caricaturesco” aquí se convierte en un espejo incómodo, donde se proyectan las heridas sociales de la comparación constante.

La película brilla en su equilibrio entre lo realista y lo alegórico. La puesta en escena evita la pomposidad de los cuentos de hadas tradicionales y, en cambio, utiliza recursos visuales minimalistas que resaltan la crudeza de lo cotidiano. La cámara de Blichfeldt se acerca sin concesiones a su protagonista, revelando su vulnerabilidad y su rabia, pero también la dignidad de reclamar un lugar en la narrativa.

Narrativamente, The Ugly Stepsister funciona como una desconstrucción del canon Disney, pero con la complejidad emocional que solo el cine contemporáneo independiente sabe sostener. La dirección de actores apuesta por interpretaciones contenidas, que permiten que los silencios y los gestos pesen tanto como las palabras.

Lo más valioso del filme es su capacidad de abrir un diálogo con el espectador: ¿qué significa ser el “feo” o la “otra” en un mundo obsesionado con lo perfecto? ¿Hasta qué punto estas etiquetas moldean nuestra identidad?

Con The Ugly Stepsister, Emilie Blichfeldt confirma que los relatos clásicos aún tienen mucho que decir cuando se revisitan con mirada crítica. El resultado es un largometraje que interpela tanto a cineastas como a espectadores, invitándonos a repensar el poder de las narrativas y el lugar que ocupamos en ellas.

Rotten Tomatoes :

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Todos los detalles de la edición 14 de Feratum Film Festival “Monstruos Marinos”

CDMX 21 de octubre 2025.- El Festival Internacional de Cine Fantástico, FERATUM, presenta  los detalles de su 14ª edición, que se realizará del 6 al 9 de noviembre de 2025 en el Pueblo Mágico de Pátzcuaro, consolidándose como uno de los principales festivales de cine de género en América Latina.

 

Celebra este año con una temática en torno a los monstruos marinos: criaturas que han dejado una huella profunda en el imaginario del cine mundial.

Durante la conferencia de prensa, Miguel Ángel Marín, director y fundador de FERATUM, reafirmó el compromiso del festival con la promoción, exhibición y apoyo a cineastas tanto emergentes como consolidados del cine de terror y fantasía, con un énfasis especial en el talento mexicano.

Este año, el festival rinde homenaje al cine nacional, otorgando a producciones mexicanas los espacios de apertura y clausura. La película Seres, ópera prima de Sandro Arceo, será la encargada de inaugurar la edición con su estreno mundial. Protagonizada por Dolores Heredia y Romanni Villicaña, esta historia de ciencia ficción nace de una experiencia personal del director: su encuentro con una mujer mayor en situación de abandono, vínculo que inspiró una profunda reflexión sobre la soledad, la empatía y los lazos invisibles que conectan a las personas; dando origen a una película cargada de humanidad y misterio.

Por su parte, la clausura estará a cargo de Estela, dirigida por Adrián Araujo, proyección que además rinde homenaje póstumo a su director. El filme narra la historia de Susana y Jorge, una pareja que se muda a una casa junto a un lago en busca de tranquilidad para tener un hijo, sin imaginar que ella comenzará a sentir la presencia de una niña que habita en el lugar. Más allá del terror sobrenatural, Estela es una exploración íntima sobre la pérdida, el abandono y el amor incondicional por la vida.

Así como el estreno del cortometraje "NO A TODOS LOS MUERTOS SE LES FESTEJA", de Luis Angel Villa (YAYO)  ganador al mejor guion en la competencia Plataforma en corto, en la pasada edición de Feratum.

Dentro de las novedades de este año, FERATUM lanza el FERATUM PITCH HUB, en colaboración con el equipo de Pitch Friendly, un espacio dedicado al desarrollo de proyectos cinematográficos cuyo objetivo es profesionalizar a guionistas, directores y productores, brindándoles las herramientas necesarias para presentar sus propuestas de manera sólida y competitiva. El Pitch Hub incluye un taller impartido por el reconocido escritor Pato Saiz. En la jornada final, los participantes presentarán sus proyectos ante personalidades de la industria cinematográfica y representantes de casas productoras, donde tendrán la oportunidad de obtener premios y apoyos para impulsar sus proyectos, en esta edición los participantes podrán obtener apoyos de compañías productoras: Tulip pictures, Lemon Estudios, el festival Cine Mujer, y del mercado audiovisual Ventana Sur.

Marín comentó también sobre su participación en la pasada edición del Festival de Sitges en España, reforzó su alianza con dicho certamen a través del FanPitch, un espacio dentro de la sección de industria donde se presentan proyectos en desarrollo,. Miguel Ángel Marín, director de FERATUM, formó parte del jurado escuchando propuestas de diversos países y finalmente otorgó el Premio Residencia FERATUM 2026 al proyecto La Huida, de Irene Jiménez y Johan Martínez, que será dirigido por Paul Urkijo. Cabe destacar que, como parte de esta colaboración con Sitges, un proyecto de FERATUM también se presentó en el FanPitch, este año, fue el turno de Solo los monstruos, de Mónica Mateo, fortaleciendo así los lazos entre ambos festivales y promoviendo el intercambio internacional de talento.

Otro de los anuncios presentados por el festival fue la alianza con VENTANA SUR – VS FANTASTIC, uno de los mercados audiovisuales más importantes de Latinoamérica, que se realiza en Argentina y Uruguay a través de este acuerdo, ambas organizaciones impulsarán un intercambio de premios para proyectos en desarrollo, los cuales serán presentados en sus respectivos programas, con apoyos de movilidad y oportunidades de conexión con otros festivales internacionales.

Entre los anuncios más destacados de esta edición, el festival celebra la incorporación de Cinépolis, la cadena de exhibición más importante del país, como sede oficial del festival presentada por Sala de Arte Cinépolis, en su complejo de Pátzcuaro; donde se proyectará la selección oficial de largometrajes en competencia. Esta colaboración simboliza la unión entre la industria y la cultura cinematográfica, ampliando el alcance del cine fantástico a un público hacia nuevas audiencias.

Por su parte, la directora de programación Feratum, Naoura Broquet presentó la programación y películas en competencia, ofreciendo una selección de lo mejor del  cine fantástico internacional, con propuestas originales diseñadas para todos los amantes del género con una selección de 76 títulos nacionales e internacionales, entre ellos, participan 58 cortometrajes, así como 19 largometrajes mexicanos e internacionales. La programación incluye producciones de 22 países que deleitarán a la audiencia a una experiencia multicultural y única en el género.

Sección Alucarda – Competencia Mexicana de Largometraje de Ficción

● Seres – Sandro Arceo Espinosa – México – 2024 - PREMIER MUNDIAL. Un joven ingeniero que intenta reparar a su androide amada mientras enfrenta su soledad y descubre el verdadero sentido de la empatía. Protagonizada por Dolores Heredia y Romanni Villicaña.

● Estela – Adrián Araujo – México / España – 2024 - PREMIER MÉXICO. Un drama de terror y suspenso que sigue a una pareja que busca iniciar una nueva vida junto a un lago, pero la llegada de lo sobrenatural transforma su hogar.

● Ella Vive en la Escuela – Samuel Cristóbal Montes de Oca León – 60 min – 2025 PREMIER MUNDIAL - Coming of age donde lo sobrenatural se mezcla con los miedos propios de la adolescencia.

● Estridor – Julio Hernández Mújica – México – 2025 - PREMIER MUNDIAL. Un relato de horror psicológico sobre una joven que acepta cuidar a una mujer parapléjica en una casa donde una entidad maligna ronda los pasillos.

● No Dejes a los Niños Solos – Emilio Portes – México – 2025. Esta película llega a FERATUM después de pisar varios de los festivales más importantes de género como: Rotterdam, BIFF Bruselas, Fantaspoa, FICG Festival de cine en Guadalajara, Macabro, Scream Fest, y recientemente en el festival de Sitges. Una joven viuda, se ve obligada a dejar a sus hijos a solas por unas cuantas horas sin saber que ALGO les hará creer, a cada quien por separado, que su hermano lo quiere matar para volverse el hijo único y favorito.

Sección Muestra de Largometraje Mexicano de Ficción

● #Rats – Carlos Trujano – México -  una producción poblana de gran creatividad. Este thriller dramático explora cómo las redes sociales influyen en la percepción pública y expone la corrupción de las instituciones culturales

● Verano Trippin – Morena Fernández Quinteris – Argentina- PREMIER MÉXICO - Este drama coming-of-age sigue a dos adolescentes que venden marihuana para escapar de su pueblo en la Patagonia

● Zinnia – Noel Díaz, Claudio Moreno- México  – PREMIER MÉXICO- Zinnia, una mujer ciega de nacimiento, esconde una espada en su bastón para defenderse.

Confines Fantásticos: Competencia Internacional e Iberoamericana de Largometraje

● Adorable Humans – Anders Jon, Michael Kunov, Kasper Juhl, Michael Panduro – Dinamarca – 2025 - PREMIER MÉXICO. Cuatro relatos interconectados inspirados en cuentos de Hans Christian Andersen con un tono de horror psicológico y fantasía contemporánea.

● Biónica – Sebastián Perillo – Argentina – 2024- Una mujer cuadripléjica se somete a un proceso experimental de reconstrucción mediante inteligencia artificial, desatando un thriller ético y filosófico sobre los límites de la humanidad.

● Deus Irae – Pedro Cristiani – Argentina – 2023/2024 - Un trío de sacerdotes excomulgados se dedica a exorcizar demonios, en un intenso thriller sobrenatural que cuestiona la frontera entre la fe y la oscuridad.

● El Ritual de Lily – Manu Herrera – España – 2025. Un grupo de amigas realiza un ritual de brujería en el equinoccio de otoño que pronto se convierte en una pesadilla.

● La Virgen de la Tosquera – Laura Casabé – Argentina / España – 2025 - Fábula adolescente ambientada en el convulso verano argentino de 2001 mezcla terror gótico y drama social, donde el miedo habita en los deseos reprimidos.

● Nico – Salomón Reyes – Uruguay – 2025 - PREMIER MÉXICO - Una madre reúne a su familia en el bosque donde murió su hijo tres años atrás, para realizar un ritual que podría traerlo de vuelta. Terror sobrenatural con tintes rituales y atmósfera inquietante.

● Retratos del Apocalipsis – Fabián Forte, Nicanor Loreti, Luca Castello – Argentina – 2024 - Cuatro historias de zombies interconectadas que muestran la caída de Buenos Aires en clave de comedia y horror, con humor negro y crítica social.

● Shaman – Antonio Negret – Ecuador / USA – 2025 - Una misionera en Ecuador enfrenta el conflicto entre la fe occidental y las creencias indígenas cuando su hijo es poseído por una entidad ancestral. Un potente choque espiritual entre dos mundos.

● The Rows – Seth Daly – USA – 2025 - PREMIER MÉXICO - Una niña despierta en un campo de maíz sin recordar cómo llegó ahí. Perseguida por asesinos enmascarados.

● We Put the World to Sleep – Adrian Țofei – Rumania / Turquía – 2025 - PREMIER MÉXICO - Dos actores se sumergen tanto en su película apocalíptica que terminan queriendo provocar el fin del mundo en la vida real. 

● Welcome to Kittytown – Douglas James Luciuk – Canadá – 2024 -PREMIER MÉXICO - Una historia postapocalíptica donde dos hombres buscan refugio en un mundo devastado. 

Para conocer toda la programación de este año, cortometrajes, fichas técnicas, cartel y sinopsis accede a www.www.feratumfilmfest.com

En esta edición, contaremos con un distinguido jurado compuesto por expertos que evaluarán las diferentes secciones competitivas del festival, quienes aportarán su visión crítica a las obras presentadas. El jurado está conformado por: Alejandra Cárdenas, Juan Carlos Lazo y Álvaro González Kuhn en la sección de largometraje mexicano; Valentina Lellín, Damián Carretero e Isaac Toussier en la sección de largometraje “Confines Fantásticos”; Carlos Morett, Daniel Escobedo y Javier Attridge en la sección de cortometraje mexicano; Dídac Gimeno, Cristiano Sousa y Adrián G, de la Peña en la sección de cortometraje internacional; Leopoldo Aguilar, Jorge A. Estrada y Heriberto Manzanares en la sección de cortometraje de animación. 

ACTIVIDADES

Este año, FERATUM suma a sus actividades de formación y desarrollo cinematográfico el panel “La distribución de cine: el monstruo más temido”,  conformado por distribuidores de cine independiente; Fernando Montes de Oca (Benuca Films), Alvaro González Kuhn y Adriana Ortega (Cinenauta) compartirán su experiencia abordando los retos, estrategias y oportunidades que enfrentan las películas independientes en su camino hacia las salas y plataformas.

LA TRADICIONAL MARCHA DE LAS BESTIAS 2025

Como cada año, se invita al público a liberar a sus criaturas interiores y sumarse a la legendaria “Marcha de las Bestias”, que se llevará a cabo el 7 de noviembre a las 18:00 horas, recorriendo las principales calles del centro histórico de Pátzcuaro. Considerado uno de los eventos más esperados y espectaculares del festival, este desfile transforma la ciudad en un reino de fantasía y horror: demonios, seres mitológicos, monstruos clásicos y personajes del cine fantástico acompañados de música y antorchas toman las calles en un carnaval nocturno.

Durante su 14ª edición, FERATUM transforma a Pátzcuaro en el epicentro mundial del cine fantástico, un escenario donde la tradición, el misterio y lo sobrenatural se funden con la magia del séptimo arte. Este pueblo mágico, envuelto en historia y leyendas, recibe a cineastas, actores y fanáticos de todo el mundo, consolidándose como el lugar perfecto para celebrar lo enigmático, lo mítico y lo oscuro.

Durante la conferencia estuvieron presentes los realizadores y talentos que darán vida a esta edición dedicada al horror acuático y al cine fantástico contemporáneo.

El guionista y productor Pato Saiz presentó el proyecto Pitch Friendly, una iniciativa de vinculación creativa entre escritores y productores: “Nuestra intención con Pitch Friendly es crear una especie de Tinder narrativo que conecte a productores que buscan nuevas historias con guionistas que tienen ideas frescas. Muchas veces un gran proyecto nunca llega a existir porque le falta una estrategia de venta; nosotros ayudamos a ponerle la máscara y el machete, para que algo aparentemente inofensivo se convierta en el asesino perfecto”, explicó.

El festival también contó con la presencia del director Sandro Arceo Espinosa, responsable de la película inaugural Seres, quien compartió: “Seres es un retrato íntimo sobre las desconexiones humanas y cómo la tecnología se alimenta de ellas. Es un gran honor inaugurar FERATUM con esta historia protagonizada por Dolores Heredia y Romanni Villicaña, y presentarla en su premier mundial. Ojalá el público se reconozca en esas grietas invisibles que nos separan.”

Asimismo, estuvieron presentes Meteora Fontana y Cristian Gamero, protagonistas de Estela, ópera prima del fallecido Adrián Araujo. “Estela refleja el dolor interno de una mujer que anhela ser madre y la confusión de un hombre que intenta comprenderla. Es una historia de amor, pérdida y terror psicológico. Adrián Araujo nos llevó a un lugar muy profundo y humano dentro del miedo. Haber formado parte de su visión es un honor”, señaló Cristian Gamero.

Por su parte, Meteora Fontana habló sobre su personaje: “Nana es una mujer que ve más allá de lo evidente; percibe lo que se oculta en esa relación y en el embarazo de Susana. Es un personaje intuitivo, espiritual, que entiende que no todo lo que nace pertenece a este mundo. Para mí fue mágico formar parte de esta historia: mi primera película de terror y mi primera filmación en Jalisco; una experiencia profundamente transformadora.”

También participó el director Julio Mújica, quien presentó su ópera prima Estridor, un relato de horror psicológico que tendrá su estreno mundial en FERATUM: “Estridor nació del deseo de explorar el vínculo entre el trabajo, la maternidad y el amor familiar. Es una película hecha con el corazón, con recursos propios y con un equipo que se volvió familia. Diez años después de haber estado en FERATUM con un corto, volver con mi primer largometraje es cerrar un ciclo y abrir otro. Presentarla aquí es un sueño cumplido.”

La actriz Frida Alcántara, protagonista de la cinta, compartió su entusiasmo: “Esta fue mi primera película, una experiencia intensa y maravillosa. Julio nos impulsó con una pasión enorme, incluso filmando de madrugada en lugares imposibles. Todo el equipo puso el alma, y eso se siente. Espero que el público perciba el corazón que dejamos en cada escena.”

Estos encuentros reflejan el espíritu de FERATUM: un espacio donde el cine de género mexicano se reinventa, se conecta y se celebra en comunidad.

“Queremos que este año el público sienta el vértigo de mirar el agua y preguntarse qué late debajo. FERATUM 2025 celebra el misterio de lo desconocido en las profundidades acuáticas, porque los monstruos marinos son también una metáfora de nuestras propias profundidades —lo desconocido, lo deseado y lo temido—. Con esta imagen y la programación que viene, reafirmamos desde Michoacán nuestro compromiso de impulsar nuevas voces del género hacia la escena internacional.” Reitero Marín, quien también anunció que se presentará una proyección especial del icónico filme TIBURÓN (Jaws, 1975), dirigido por Steven Spielberg, con motivo de su 50.º aniversario. Esta obra maestra del suspense acuático no sólo redefinió el terror en el mar, sino que también marcó el inicio de la era del blockbuster veraniego, y se ha convertido en referencia obligada para cualquier amante del cine de género. 

Además,  del 14 al 16 de noviembre, presentaremos una selección de lo mejor de esta edición en la Cineteca de las Artes en la Ciudad de México, para aquellos que deseen vivir esta experiencia única en la capital.", afirmó Miguel Ángel Marín, director del festival.

Los proyectos seleccionados para participar en el primer FERATUM PITCH HUB son:

Damián Cano - “Matar al padre”, Oscar Ortega Navoa - “Los niños de bocanegra”, Víctor Osuna Palomino - “Nocturno”, Sofía Hasbun - “Muerte a la Ópera”, Omar J. H. Alcalá - “Con el Diablo al hombro”, Raúl García Flores – “Un cuento para mi hijo”, León De León  Landázuri - “Huellas Maternas”, Natalia Santos - “McDeath”, Oscar Francisco Lizarraga Malacon - “Rabia”, Marlene Camarillo Bustamante – “Para que la bruja no me coma”, María Águeda Villarreal Flores - “La buena, la mala y la puta”, Mario Cubillos Peña - “No diré nada”, Angel Israel Reyes Rodriguez - “Fiesta brava”, María Fernanda Herrera Morales - “Frialdad”, Emma Zitlali Carlin Montiel - “Línea 13”, Lily Morett - “Sosias”, Joshua Daniel Gutiérrez Ochoa – “Muerte en martes”

El Festival Internacional de Cine Fantástico FERATUM agradece profundamente a todas las instituciones y colaboradores que han sido clave en la realización de esta edición. En especial al apoyo del Gobierno de Michoacán y la Secretaría de Turismo, dirigida por Roberto Monroy, así como de la Secretaría de Cultura de Michoacán Tamara Sosa Alanís, así como al Ayuntamiento de Pátzcuaro y a su Presidente Municipal, el ingeniero Julio Arreola Vázquez, por su compromiso en hacer de este evento una realidad.

Asimismo, se destaca la colaboración de Hoteleros de la región de Pátzcuaro (HOTERPAC) y  a su presidente Arturo Pimentel, la Asociación de Hoteleros de Michoacán (AHMEMAC), así como del Fideicomiso para la Promoción Turística de Michoacán 

El festival también agradece a sus patrocinadores, quienes han apoyado la logística y la experiencia del público: Autobuses Autovías La Línea, Hotel Posada San Rafael,  Hotel Mansión Iturbe, Hotel el Eden, Ghoulish, Retrobyte, La Octava bar Pátzcuaro, Diablo Panzón Food Company, Mulcon.

Agradece también a los aliados y colaboradores: Centro Cultural Jacaranda, Cinépolis, Cineteca Nacional, Canacine, FICG, Festival de cine en Guadalajara, Sitges, Festival Internacional de Cine de Cataluña, Ventana Sur, Tulip Pictures, Lemon Studios, Instituto Latinoamericano de Ciencias Cinematográficas Morelia (ILATACC), Fantlatam.

También agradecemos  el apoyo de los patrocinadores de Plataforma en Corto, quienes hacen posible el desarrollo del talento emergente en la industria cinematográfica. Este año, el premio en equipo de filmación es patrocinado por CTT EXP Rentals, mientras que el premio en efectos digitales cuenta con el respaldo de Retrobyte México. La premiación de catering es posible gracias a la colaboración de Diablo Panzón Food Company, el premio a diseño sonoro es patrocinado por Arcella Academy y un premio especial de producción lo otorgará Terrier Films, Cada uno de estos aportes refuerza el compromiso del festival y sus aliados con el impulso a nuevas voces en el cine.

Adquiere el FERATUM PASS  que te brinda acceso a todos los eventos, incluyendo proyecciones, actividades, fiestas y eventos especiales en Pátzcuaro, Michoacán y tener acceso preferencial en sedes. Está disponible en dos modalidades y puedes adquirirlo en 

https://www.feratumfilmfest.com/feratum-pass-2025/